Jim Valentino ha lavorato nei due regimi produttivi che il medium conosce, e la sua linea non si comporta allo stesso modo.I suoi esordi appartengono al bianco e nero dell'autopubblicazione, dove solo l'inchiostro trasporta tutte le informazioni; le sue serie degli anni '90 sono in colore industriale, dove uno strato applicato da altri copre il suo disegno.Un tratto parsimonioso dipende molto di più da ciò che viene dopo rispetto a un tratto occupato– questo spiega perché le sue pagine a volte appaiono più pesanti di quello che sono.
Questa domanda sembra tecnica. Tuttavia, determina quale delle sue copie vale la pena acquistare allo stesso prezzo.
Questo articolo mette a confronto ciò che ciascun regime fa al proprio design, spiega perché alcune pagine si deteriorano e fornisce il criterio per scegliere tra due edizioni.
Due regimi, due vincoli
Dobbiamo innanzitutto chiederci cosa impone ogni regime, perché le differenze sono più profonde di una semplice aggiunta di colore.
In bianco e nero, l’inchiostro trasporta tutto.Volume, materia, distanza, luce, separazione dei piani: ogni informazione passa attraverso la linea, la sua densità e le sue aree solide. Nulla verrà corretto in seguito.
In un colore industriale, la maniglia riportava il disegno e nient'altro.Volume e luce sono affidati ad un colorista, la separazione dei piani alla scelta delle tonalità. Il designer fornisce una struttura e lascia uno strato agli altri.
Non si tratta di due livelli di rifinitura della stessa pratica: sono due diverse distribuzioni del lavoro.Un progetto progettato per uno funziona male nell'altro, e questo è un problema che hanno riscontrato molti autori che sono passati da un circuito all'altro.
Ciò che ogni dieta fa alle sue caratteristiche
In bianco e nero: la chiarezza paga
Una linea sobria, con aree piatte chiare e sagome leggibili, è esattamente ciò che questo regime richiede. Le sue pagine di questo periodo funzionano senza riserve.
Il formato corto e il registro comico aggiungono tolleranza: l'esagerazione sostituisce la resa.
A colori: la linea diventa fragile
Un disegno con poche linee fornisce ampie aree di colore. A seconda di cosa ci metti sopra, la pagina respira o si satura.
Il progettista non ha alcun controllo su questa scelta o sulla sua resa in stampa.
Il giornale dell'epoca
I supporti utilizzati all'inizio degli anni '90 assorbivano l'inchiostro e opacizzavano i colori. Due copie dello stesso numero possono differire in modo significativo.
Ristampe successive
Ristampate su supporti migliori, le stesse tavole rivelano un disegno più arioso di quanto pensassimo.
Perché le sue pagine a colori sembrano pesanti
L'osservazione è comune tra i lettori e la spiegazione è tecnica piuttosto che artistica.
Un disegno carico di tratteggio assorbe colore: le sfumature si depositano tra le linee, la cornice grafica resta dominante, e il risultato resta leggibile anche se stampato male.
Al contrario, un design solido offre ampie zone nude. Il colore diventa il principale elemento visibile e la sua qualità determina interamente l'impressione finale.La linea parsimoniosa non ha alcuna difesa contro la scarsa colorazione.
Tuttavia le tecniche di colorazione dei primi anni ’90 prediligevano tonalità sature, in una logica a raggi dove l’occhio doveva essere attratto. Applicati su aree estese, saturano la pagina.
Tuttavia, il design di base non è cambiato. Ciò si può verificare sulle tavole in bianco e nero pubblicate altrove, o sulle migliori ristampe a stampa, dove la stessa composizione appare decisamente più pacata.
Il criterio di acquisto risultante è semplice.Su questo designer, a un prezzo comparabile, scegli sistematicamente la migliore copia stampata: la ristampa anziché la stampa originale, la carta trasparente anziché la carta ossidata.
Su uno stilista impegnato, questo consiglio conterebbe poco: la sua linea assorbe i difetti. Qui cambia davvero quello che vedi.
Ciò che il bianco e nero gli ha permesso
Vale la pena dettagliare cosa si perde nel passaggio al colore, perché non si tratta solo di rendering.
Pieno controllo della pagina.Nel bianco e nero autopubblicato, ha deciso tutto: linee, valori, contrasti, densità. Nessuna decisione visiva gli sfuggì.
L'uso del bianco è materico.Una grande area lasciata vuota è una forte decisione grafica in bianco e nero. A colori diventa una superficie da riempire, e qualcuno la riempirà.
Un'economia presunta.Poche righe è una qualità riconosciuta nel bianco e nero, dove il vuoto è parte del linguaggio. A colori, questo può apparire come un lavoro incompiuto.
Quest’ultima percezione è probabilmente ingiusta, ma ha funzionato.La stessa riga viene letta come raffinata in un regime e come riassuntiva nell'altro, senza che alcuna linea si sia spostata.
Cosa gli ha portato il passaggio al colore
Sarebbe ingiusto presentare questo passaggio solo come una perdita, perché ha prodotto effetti che il bianco e nero vietava.
Leggibilità dell'azione superiore.In una scena in cui diversi personaggi in costume combattono, il colore li separa immediatamente. In bianco e nero, questa separazione richiede un notevole lavoro sulle silhouette che il ritmo mensile rendeva difficile.
Un carico di lavoro più leggero.Affidare valori e luci a un colorista toglie una vera e propria parte di lavoro di rendering, il che rende un mensile sostenibile per un autore che altrimenti si assumeva responsabilità editoriali.
Accesso a un pubblico altrimenti inaccessibile.Il bianco e nero indipendente raggiunse qualche migliaio di lettori; il colore nella distribuzione nazionale ha raggiunto centinaia di migliaia. È una differenza di natura, non di grado.
Questi tre vantaggi sono reali e spiegano una scelta che non è stata semplicemente fatta.Nessun autore resta in bianco e nero per pura convinzione quando il colore apre un pubblico cento volte più vasto.– e sarebbe ingenuo biasimarlo per questo.
Ciò che possiamo osservare, tuttavia, è che la sua linea non è stata rielaborata di conseguenza. Rimase quello di un artista in bianco e nero, impiegato in un regime che ne richiedeva un altro.
Uno scenario comune nella professione
La sua situazione non è eccezionale, e riconoscerlo aiuta a leggere altri autori della stessa generazione.
Il circuito indipendente degli anni '80 ha formato molti designer in bianco e nero, a causa dei vincoli di costo. Quando negli anni Novanta alcuni di loro passarono al colore, tutti dovettero decidere tra due opzioni.
Alcuni hanno caricato la loro lineatrovare una densità che resista allo strato colorato, a costo di maggiori tempi di produzione.Altri hanno mantenuto la loro economia di lineee accettarono che il colore diventasse l'elemento dominante delle loro pagine.
Le due strategie sono ancora presenti oggi e producono modelli di invecchiamento opposti. La linea caricata resiste meglio alle cattive impressioni; il tratto economico guadagna di più da buone ristampe.
Sapere in quale categoria rientra un designer fornisce quindi una regola di acquisto direttamente applicabile, ben oltre questo caso particolare.
Insidie concrete al momento dell'acquisto
Carta appannata
I supporti dei primi anni '90 sono ingialliti, il che altera notevolmente i colori già saturi.
Fotografie pubblicitarie
Una copertina fotografata sotto una luce calda non fornisce informazioni sullo stato delle pagine interne.
Stampe irregolari
Due esemplari dello stesso numero possono differire notevolmente a seconda del loro passaggio alla stampa.
Ristampe non segnalate
Una ristampa stampata migliore è indistinguibile da una stampa originale su una fotografia di copertina.
Controllati tra tre minuti
Tutto quanto sopra è facilmente controllabile ed è meglio vederlo che credermi sulla parola.
Prendi una tavola del suo periodo a colori e una tavola del suo periodo in bianco e nero e confronta non la resa ma laquantità di linee. Noterai che è paragonabile: stessa densità di linee, stesse aree solide, stessa economia.
Ciò che differisce tra le due stampe quindi non è opera del designer ma ciò che è stato posto su di esse.Questa è la dimostrazione più diretta possibile, e chiede solo due numeri per pochi dollari.
Lo stesso esercizio effettuato su un designer dello stesso periodo dà il risultato opposto: il colore quasi scompare, assorbito dalla struttura grafica. Il confronto incrociato rende evidente il fenomeno.
Cosa suggerisce di leggerlo
Tre conseguenze pratiche, applicabili immediatamente.
Inizia con il bianco e nero.Le sue prime serie mostrano il suo disegno nel regime per il quale è stato formato, senza intermediari o possibili degradazioni.
Leggi attentamente il colore.Se le pagine sembrano occupate, la domanda da porsi è se è il design o il livello ad esso applicato e la risposta è molto spesso la seconda.
Cerca una ristampa quando esiste.Nelle serie riprodotte in volume, la differenza di leggibilità rispetto alla stampa originale è notevole, ad un prezzo spesso paragonabile.
Questi tre suggerimenti convergono verso la stessa idea:su questo autore la realizzazione dell'oggetto è parte del lavoro che giudichiamo, più chiaramente che con la maggior parte dei suoi contemporanei.
Cosa registrare
Su questo punto il foglio deve riportare informazioni di fabbricazione che altrimenti nulla conserverebbe.
La qualità di stampa e le condizioni della carta di ciascuna copia, annotate separatamente dalle sue condizioni generali.Una copia senza pieghe o sfregamenti può presentare colori sbiaditi da una stampa originale scadente, che non è indicata da alcuna scala di condizione. Su un designer a tinta unita, tuttavia, questo è ciò che determina ciò che vedrai all'apertura.
Questa nota evita di riacquistare una copia meglio conservata ma stampata meno bene, un errore facile poiché i due criteri sono indipendenti.
La menzione della ristampa o della stampa originale, quando puoi stabilirlo: sulle serie ripetute, la differenza di leggibilità giustifica sapere quale si possiede prima di cercarne un altro.
Questi due campi si riferiscono all'oggetto stampato piuttosto che al contenuto - e questo è proprio ciò che è richiesto per un disegno la cui resa finale dipende da passaggi che il suo autore non ha padroneggiato.
Domande frequenti
È più fedele alla sua intenzione, che non è la stessa cosa. Nel bianco e nero autopubblicato, controlla linee, valori e contrasti senza che alcuna decisione visiva gli sfugga. A colori, fornisce una struttura e lascia uno strato per gli altri: due diverse divisioni del lavoro.
Perché un design solido offre ampie zone nude dove il colore diventa il principale elemento visibile. Le tecniche dei primi anni ’90 prediligevano tonalità saturate per attirare l’attenzione sullo scaffale, che satura la pagina con meno righe. Il design di base non è cambiato.
Prendi la migliore stampa: ristampa anziché stampa originale, carta trasparente anziché carta appannata. Per un designer impegnato questo consiglio conterebbe poco, la sua linea assorbirebbe i difetti; qui cambia effettivamente ciò che vedi quando apri il libro.
No, e i due criteri sono indipendenti. Una copia senza pieghe o sfregamenti può avere colori offuscati da un brutto passaggio nella stampa originale, che nessuna scala di condizione indica e che nessuna fotografia di copertina rivela.
In bianco e nero, che mostra il suo disegno nel regime per il quale è stato formato, senza intermediari o possibili degradazioni. Quindi avvicinati al colore sapendo che se le pagine appaiono occupate, la causa molto spesso è lo strato applicato e non il disegno stesso.
Ben conservato o ben stampato?
Due criteri indipendenti che nessuna scala statale distingue.