Marvel Anime (Madhouse) versus Marvel-Comics

Nach vierzig Artikeln darüber, was der Bildschirm beim Zeichnen verliert, erfahren Sie hier, was passiert, wenn ein anderer entsteht. Entschlüsselung Quelle für Quelle, ohne Offenlegung der Ergebnisse.

Wie in jedem Artikel dieser Reihe werden nur verifizierte Informationen (Ersteller, Vertrieb, Daten, Verlage) angegeben; Die vergleichende Analyse gehört uns, ohne Dialoge oder geschützte Bilder wiederzugeben.

1982: Wolverine war bereits in Japan

Die Idee, diese Charaktere einem japanischen Studio anzuvertrauen, ist nicht willkürlich und hat eine klare Vorgeschichte in der Comicwelt.

1982 unterzeichneten Chris Claremont und Frank Miller eine Miniserie über Wolverine, die vollständig in Japan spielt. Sie installiert dort, was ein bleibender Teil der Figur werden wird: einen Ehrenkodex, eine erlernte Disziplin, eine Beziehung zum Schwert und vor allem die Vorstellung, dass es Gewalt sein kann über ein Formular gesteuert statt nur enthalten. Frank Miller importierte Anspielungen auf die japanische Schwertgeschichte, die er gut kannte, und das Ergebnis definierte den Charakter nachhaltig neu.

Mit anderen Worten: Als Madhouse 2010 gegen Wolverine antrat, hat das Studio einer amerikanischen Figur keine fremde Ästhetik aufgezwungen. Er findet eine Figur wieder, die die Comics hatten Bereits orientierte sich schon vor dreißig Jahren an dieser Tradition.

Die drei anderen Titel haben diese Vorgeschichte nicht, und die Bewegung ist einfacher: Iron Man wurde in Japan installiert, um dort Technologie einzusetzen, die X-Men wurden gerufen, um dort Nachforschungen anzustellen, und Blade wurde in eine Vampirjagdgeschichte in Asien umgesetzt.

Grafische Sprache, von der anderen Seite gesehen

Dieses Korpus hat einen beträchtlichen Teil seiner Analyse dem gewidmet, was der Bildschirm durch das Zeichnen verliert. Mazzuccellis Linie, Millers Raster, Quitelys Komposition, Tim Sales Expressionismus, Jim Lees Tafeln: Jedes Mal neutralisiert die Adaption eine starke grafische Sprache zugunsten einer konventionellen Animationswiedergabe. AlleinDie neue Grenzewar eine Ausnahme, da Darwyn Cookes Spielfilm aus der Animation stammte.

Marvel Anime stellt die Frage anders, und das macht es zu einem wertvollen Fall. Hier ist die Anpassung nicht der Fall neutralisiert keine grafische Sprache: es einen anderen ersetzen, genauso durchsetzungsfähig.

Die verwendeten Codes entsprechen einer etablierten Tradition: verlängerte Proportionen, Gesichter, die nach anderen Ausdruckskonventionen behandelt werden, Schnitt, der lange kontemplative Perioden und sehr kurze Handlungsausbrüche abwechselt, Wert auf Stille und Dekor. Nichts davon gehört zum Vokabular amerikanischer Comics.

Das Ergebnis spaltet, und das zu Recht. Für diejenigen, die auf eine Umsetzung warten, ist die Verschiebung konstant. Aber für diejenigen, die sich dafür interessieren, was dieses Werk weiter untersucht hat, ist die Erfahrung aufschlussreich: Sie zeigt, dass eine Figur eine vollständige Veränderung ihrer visuellen Sprache überstehen kann und dass das, was sie identifiziert, daher nicht ihr Aussehen ist. Wir wussten das nicht im Voraus – vierzig Artikel über Grafikverluste könnten das Gegenteil suggerieren.

Was der Umzug verrät

Eine zweite Lektion bezieht sich auf die geografische Verschiebung, und es lohnt sich, darauf hinzuweisen.

Diese Charaktere wurden in einem spezifischen amerikanischen Kontext entworfen: einer amerikanischen Stadt, einer amerikanischen Industrie, amerikanischen Institutionen. Wenn wir sie anderswo übertragen, müssen wir unterscheiden, worauf sie in ihrer Definition zurückzuführen sind Charakter und was damit zusammenhängt Dekor.

Die Übung ist aufschlussreich. Iron Man verträgt Verschiebungen gut, weil sein Thema – ein Industrieller, der mit den Konsequenzen dessen konfrontiert wird, was er macht – überall hin übertragen werden kann. Wolverine auch, aus dem gegenteiligen Grund: Japan ist bereits Teil seiner Definition. Die X-Men widersetzen sich stärker, weil ihr Thema, die Ablehnung einer Minderheit durch eine Mehrheitsgesellschaft, mit einer spezifischen amerikanischen Geschichte verknüpft ist und deren Umsetzung die Rekonstruktion eines gesamten Kontexts erfordert.

Es handelt sich um einen Test, den nur wenige Adaptionen ermöglichen, und der dem Leser ein nützliches Kriterium bietet: Die Charaktere, die am besten reisen, sind diejenigen, deren Thema eine Situation und kein Ort ist.

Die Charaktere, vom Papier bis zum Bildschirm

• Vielfraß– Japanischer Moderator aus der Miniserie von 1982.
• Iron Man— Industrieller konfrontiert mit dem, was er herstellt, transponierbares Subjekt.
• Die X-Men— Das Team, dessen Subjekt der Bewegung am meisten widersteht.
• Klinge— Vampirjäger, nach Asien übertragen.

Irrenhaus und die Zirkulation zwischen zwei Traditionen

Ein Wort zum Studio, denn seine Wahl war nicht trivial. Madhouse hat sich durch anspruchsvolle Produktionen und die seltene Fähigkeit, mit sehr unterschiedlichen Registern umzugehen, einen Namen gemacht. Die Beauftragung amerikanischer Charaktere für ein Haus dieses Niveaus und nicht für einen Subunternehmer deutete eher auf eine echte Absicht als auf eine Lizenzierung hin.

Die Zirkulation zwischen den beiden Traditionen ist nichts Neues und geht in beide Richtungen. Amerikanische Comics haben seit langem Anleihen bei Mangas gemacht – dieses Werk hat dies in Bezug darauf festgestelltTeen Titans, dessen Design aus dem Jahr 2003 offen davon inspiriert war. Umgekehrt greifen japanische Autoren seit den 1960er Jahren auf den amerikanischen Superhelden zurück.

Für den französischen Sammler hat diese Verbreitung eine praktische Konsequenz, die oft vernachlässigt wird: Die Comic- und Manga-Märkte überschneiden sich kaum, während sich die Zielgruppen stark überschneiden. Japanische Ausgaben von Marvel-Charakteren sind ebenso wie amerikanische Ausgaben japanischer Serien häufig zu unkorrelierten Preisen erhältlich – genau in dieser Situation ist ein informierter Käufer im Vorteil.

Zwölf Episoden: ein Formatzwang, der alles verändert

Ein letzter technischer Punkt, der oft vernachlässigt wird und dennoch entscheidend ist.

Jede Serie hat ein Dutzend Episoden – ein Standardformat in der japanischen Produktion, das in der damaligen amerikanischen Animationsfilmproduktion kein direktes Äquivalent hat und über viel längere Staffeln kalibriert ist. Dieser Unterschied ist nicht administrativ: Er verändert die Schreibweise.

Zwölf Episoden erfordern eine einzigartige, spannungsgeladene Geschichte mit einem Anfang und einem Ende, die von Anfang an geplant sind. Kein Platz für Füllepisoden, keine Möglichkeit, einen Beschluss auf die nächste Staffel zu schieben. Es ist strukturell das Format, das dem am nächsten kommt Miniserie gedruckt – was erklärt, warum die relevanteste Quelle des gesamten Sets genau eine Miniserie mit vier Ausgaben ist.

Dieses Korpus hat wiederholt gezeigt, dass die Beschränkung der Dauer der erste Faktor bei der Verformung einer Adaption ist: Zwei Stunden Film zerstören einen Bogen, und eine unbestimmte Staffel verwässert ihn. Das kurze, geschlossene Format ist das einzige, das keines von beidem vorschreibt.

Für den Leser, der nach einer Äquivalenz sucht, ist es nützlich, sich an die Entsprechung zu erinnern: Ein Spielfilm entspricht ungefähr einer Doppelausgabe, eine lange Staffel einer mehrjährigen Laufzeit und ein Dutzend Episoden einer Miniserie. Es macht wenig Sinn, etwas zu vergleichen, das nicht die gleiche Dauer hat.

Sammlungsseite: Welche Zahlen sollten nach der Serie angestrebt werden?

Der vorgesehene Parcours erstreckt sich über vier Charaktere mit sehr unterschiedlichen Gewinnreihenfolgen.

Die Wolverine-Miniserie von 1982, von Claremont und Miller, ist der Eintrag, der am direktesten mit diesen Adaptionen verknüpft und am empfehlenswertesten ist: vollständige Kurzgeschichte, die als einer der Höhepunkte der Figur gilt und dennoch zugänglich bleibt. Dies ist die vorrangige Lektüre.

Grab von Dracula Nr. 10(1973) enthält den ersten Auftritt von Blade – einem begehrten Schlüssel zur Bronzezeit, unterstützt durch theatralische Adaptionen der Figur.Geschichten voller Spannung Nr. 39(1963), der erste Auftritt von Iron Man, ist eines der Hauptwerke des Silbernen Zeitalters und hat entsprechende Preise.

Eine letzte Bemerkung: Diese Serien haben im Gegensatz zu den meisten in diesem Korpus untersuchten Adaptionen keine nennenswerten Veränderungen bei den Einschaltquoten hervorgerufen. Ihre Verbreitung blieb außerhalb Japans vertraulich. Es ist eine Erinnerung daran, dass die Macht der Bezeichnung, deren Mechanismus in diesem Korpus detailliert beschrieben wird, Folgendes voraussetzt:massive Belichtung– Ohne sie bewegt selbst eine interessante Adaption nichts. Wie immer bestimmen Zustand und Abstufung den Wert; Es wird dringend empfohlen, sich auf echte aktuelle Verkäufe zu verlassen.

Wo fange ich mit dem Lesen an?

La 1982 Wolverine-Miniserie ist der offensichtliche Einstiegspunkt: Sie hat den japanischen Anker installiert, den diese Adaptionen ausnutzen, und sie kann in vier Ausgaben gelesen werden, ohne etwas über die Figur zu wissen. Für Blade,Grab von Dracula Nr. 10(1973) markiert den Aufbruch.

Die anderen drei Titel haben kein so klares gedrucktes Äquivalent, was ihrer Natur entspricht: Sie wurden für diesen Anlass geschrieben und nicht aus einem bestehenden Handlungsbogen adaptiert.

Zeitleiste zum Wissen

• 1963— Tales of Suspense #39: Erster Auftritt von Iron Man.
• 1973— Tomb of Dracula #10: Erster Auftritt von Blade.
• 1982– Claremont und Miller schicken Wolverine nach Japan.
• 2003– Teen Titans demonstriert amerikanische Anleihen beim Manga.
• 2010-2011– Die vier Madhouse-Serien.

Sein Platz in der Saga und für den Sammler

Marvel Anime wird der einzige Fall in diesem Korpus bleiben, in dem sich die Frage der grafischen Sprache von der anderen Seite stellt: Die Adaption neutralisiert keinen Stil, sie ersetzt einen anderen, ebenso durchsetzungsfähigen. Und es liefert eine Antwort, die wir in vierzig Artikeln über grafische Verluste nicht vorhersagen konnten: Eine Figur überlebt den vollständigen Wandel ihrer Bildsprache. Es bietet auch einen seltenen Test: Am besten reist derjenige, dessen Thema eine Situation und kein Ort ist. Für den Sammler verweist es vor allem auf die Miniserie von 1982, eine der ertragreichsten Lektüren im Katalog.

Das Urteil: Die Charaktere bleiben erhalten, die Sprache wird ersetzt

• Loyalität: die Charaktere und ihre Kräfte, die japanische Verankerung von Wolverine aus dem Jahr 1982, das titelspezifische Register und der interne Konflikt als treibende Kraft.
• Freiheiten: eine völlig andere grafische Sprache, für diesen Anlass geschriebene Handlungen, ein verlegter Schauplatz, Proportionen und Rhythmus aus einer anderen Tradition und abgesehen von der Marvel-Kontinuität.
• Sammelnummern: die Wolverine-Miniserie (1982), Tomb of Dracula #10 (1973), Tales of Suspense #39 (1963).

Vierzig Artikel, um zu notieren, was der Bildschirm beim Zeichnen verliert, und hier ist die gegenteilige Erfahrung: eine grafische Sprache wird durch eine andere, ebenso starke ersetzt. Der Charakter überlebt – was ihn identifiziert, ist also nicht sein Aussehen.

Häufig gestellte Fragen