Rocketeer (1991): el cine versus los cómics de inspiración

Adaptación de los cómics independientes más elegantes de los años 1980, Rocketeer es un caso raro: una película fiel al espíritu retro de su fuente, dirigida por el futuro director del Capitán América. Descifrado fuente por fuente.

Como en cada artículo de esta serie, sólo se indica información verificada (creadores, distribución, fechas, editores); el análisis comparativo es nuestro, sin reproducir diálogos ni imágenes protegidas.

The Rocketeer (1982): el cariñoso homenaje a Dave Stevens

Rocketeer adapta el cómic que Dave Stevens creó en 1982 en las páginas de Starslayer #2, de Pacific Comics, una de las primeras editoriales independientes en dejar sus derechos a los creadores. Concebida como una simple historia complementaria, The Rocketeer se convirtió rápidamente en un fenómeno: en 1938, en Los Ángeles, Cliff Secord, un piloto de carreras arruinado y exaltado, descubrió un propulsor de mochila experimental robado en un hangar. Con la ayuda de su mecánico Peevy, que le confecciona un casco con aletas que se ha convertido en uno de los diseños más bellos del medio, Cliff se improvisa como un justiciero volador, al principio por motivos equivocados: dinero y alarde, antes de que aparezcan gánsteres, agentes federales y espías. Stevens, un perfeccionista enfermizo con líneas suntuosas heredadas de los grandes ilustradores, destila su amor por las series de aviación, el pulp y las pin-ups: la novia de Cliff, Betty, se inspira abiertamente en Bettie Page, cuyo culto Stevens ayudará a revivir. Publicada en capítulos dispersos a lo largo de los años, desde Pacific hasta Comico y luego Eclipse, la obra es tan rara como de culto.

La película de Joe Johnston –antiguo diseñador de efectos de la saga Star Wars, futuro director de Capitán América: El primer vengador, de la que Rocketeer es claramente el ensayo general– transpone este material con evidente ternura. El casco, la hélice, el hangar, Peevy (Alan Arkin), las carreras de aviones, los gánsteres trajeados y el Hollywood de 1938: la pantalla reproduce el imaginario de Stevens con la fidelidad de un artista modelo, y el propio diseñador, consultado sobre la producción, aparece en un cameo. Pero Disney obedece, la película hace dos cambios importantes: Betty, la sensual pin-up, se convierte en Jenny Blake, una aspirante a actriz sabia y soñadora interpretada por Jennifer Connelly; y la trama cristaliza en torno a un villano creado para la ocasión, Neville Sinclair, una estrella de cine que en realidad es un espía nazi, a quien Timothy Dalton, recién salido de su esmoquin de James Bond, le presta una elegancia venenosa.

De Betty a Jenny: lo que Disney no pudo filmar

La transformación de Betty en Jenny resume por sí sola la negociación entre el cómic y su adaptación. En Stevens, Betty es el retrato supuesto de Bettie Page, icono pin-up de los años 50: modelo que posa para fotografías “artísticas”, libre con su cuerpo y sus elecciones, es la adulta de la pareja que se enfrenta a un Cliff celoso e inmaduro. Esta dimensión -glamour retro rayano en el suave erotismo, tratado con la elegancia de la línea de Stevens- fue constitutiva de la obra, hasta el punto de que el diseñador, al haber encontrado a la verdadera Bettie Page olvidada por todos, la ayudó personalmente y contribuyó al renacimiento de su notoriedad. Nada de esto podría encajar en una película familiar de Disney de 1991.

Jenny Blake, su doble en la pantalla, mantiene la belleza morena y el mundo del espectáculo, pero avanza hacia el cine de Hollywood, la figuración sabia y los sueños de gloria, mientras los celos de Cliff se centran en las maniobras del depredador Sinclair. La pareja gana una inocencia de cuento, fiel al tono serial que busca la película, y pierde la tensión adulta que modernizó el cómic. Para el lector, este cambio es instructivo por dos razones. En primer lugar porque está perfectamente asumido: la película no pretende adaptar la carta de Stevens sino su amor del pasado, y lo hace con un cuidado visual que el diseñador ha elogiado públicamente. Luego porque muestra la frontera exacta entre dos nostalgias: la de Stevens, que incluía los márgenes sulfurosos de la época -pin-ups, pulps, discotecas humeantes-, y la de Disney, que sólo conserva la aventura luminosa. Dos sinceros homenajes a un mismo pasado, que simplemente no miran las mismas imágenes.

El serial encontrado: un escaparate de la época dorada de la aviación

Lo que el cine y el cómic comparten sin reservas es la materia prima: Los Ángeles de 1938, en el cruce de la aviación heroica y la fábrica de sueños. Stevens documentó sus placas con la meticulosidad de un historiador (auténticos aviones de carreras, aeródromos, restaurantes y luces de neón reproducidas hasta el último detalle) y pobló su historia con figuras de la época, incluido un misterioso benefactor de las sombras que los lectores de las pulps reconocieron fácilmente. La película amplía este juego referencial a su manera: el propulsor se convierte en una invención del propio Howard Hughes, interpretado como un genio patricio, y los decorados de Hollywood, los estrenos de películas y los clubes de la ciudad proporcionan a la aventura su telón de fondo dorado. Incluso los zepelines, emblemas de los cielos de los años 30, cierran el espectáculo.

Esta comunión de imágenes explica el destino paralelo de las dos obras: ninguna fue un triunfo comercial inmediato, ambas se convirtieron en culto. La película, estrenada en el verano de 1991 ante una competencia abrumadora, decepcionó a Disney en la taquilla a pesar de las buenas críticas, antes de ser reevaluada década tras década como una de las películas de aventuras retro más puras de su tiempo, y la obvia prueba de Joe Johnston para el Capitán América, veinte años después. El cómic, publicado escasamente por un perfeccionista que posponía constantemente sus entregas, siguió siendo un objeto raro que la muerte prematura de Dave Stevens en 2008 lo convirtió definitivamente en un patrimonio: desde entonces, IDW ha vuelto a publicar su trabajo en volúmenes cuidados y ha confiado el personaje a nuevos equipos. Para el lector, esta doble trayectoria dice algo reconfortante: las obras hechas por amor al pasado acaban encontrando su futuro.

Los personajes, del papel a la pantalla

• acantilado secord— El piloto arruinado que se convirtió en justiciero volador, fiel al cómic.
• Malhumorado— El mecánico que da forma al casco y a los escenarios, fiel al cómic.
• betty/jenny— La pin-up estilo Bettie Page convertida en una ingenua de Hollywood.
• Neville Sinclair— La estrella del espía nazi, creación de la película para Timothy Dalton.
• Howard Hughes— El inventor del propulsor en la pantalla, un guiño que sustituye a los misterios del cómic.

Pacific Comics y la revolución del derecho de autor

Colocar a The Rocketeer en su ecosistema original es un punto de inflexión en la historia industrial del cómic estadounidense. A principios de los años 80, Pacific Comics, una pequeña editorial californiana perteneciente a una cadena de tiendas, hizo una promesa sin precedentes: los creadores conservarían la propiedad de sus personajes y recibirían derechos de autor, una ruptura total con el modelo Marvel/DC que había desposeído a generaciones de autores. Esta apuesta atrae a leyendas en busca de libertad, Jack Kirby a la cabeza, y jóvenes talentos como Dave Stevens. The Rocketeer nació precisamente allí: como complemento a una serie de Mike Grell, Starslayer, cuyo segundo número (1982) incluía las primeras páginas de Cliff Secord. Pacific colapsó en 1984, pero la brecha estaba abierta: la década vio el florecimiento de las editoriales con derechos de autor, desde Eclipse hasta Dark Horse, hasta Image en 1992.

Debido a que Stevens era dueño de su personaje, The Rocketeer pudo sobrevivir a todas sus editoriales (Pacific, luego Comico y Eclipse para los siguientes capítulos) y es nuevamente este estatus de obra de autor lo que permitió la venta a Disney en condiciones seleccionadas. Para el coleccionista, esta genealogía hace Asesino de estrellas #2 una clave doblemente histórica: primera aparición del Rocketeer y emblema de la revolución del creador de la que es uno de los primeros frutos duraderos. Los siguientes capítulos de los álbumes Starslayer #3, Pacific Presents, Rocketeer Special y Comico/Eclipse forman una persecución deliciosamente tortuosa, como su autor, que nunca entregó una página que no considerara perfecta. Desde 2008, el IDW se completa y la ola de homenajes de grandes artistas mantiene viva la llama: un raro privilegio para un héroe que, de la mano de su creador, sólo dispone de unas pocas decenas de placas.

Donde empezar a leer

Para descubrir la fuente, las historias completas de Dave Stevens, reeditadas en cuidadosos volúmenes por IDW, disponibles en francés, reúnen toda la obra original: una tarde de lectura, una vida de admiración por la línea. La serie tributo publicada desde entonces por IDW amplía el universo para aquellos que quieran quedarse en 1938.

Cronología de cómics para saber

• 1982— Starslayer #2 (Pacific Comics): Primera aparición del Rocketeer.
• 1982-1995— Los capítulos aparecen poco a poco, de Pacific a Comico y luego a Eclipse.
• 1991— La película de Disney de Joe Johnston, un fracaso teatral que se ha convertido en culto.
• 2008— Desaparición de Dave Stevens; IDW reedita y le da vida al personaje.

Lado de la colección: a qué números apuntar después de la película

Rocketeer señala claves de la era indie.Asesino de estrellas #2(1982, Pacific Comics), la primera aparición del Rocketeer, es la llave maestra, un tema accesible dada su importancia histórica, buscado regularmente en las altas calificaciones. Los siguientes capítulos (Asesino de estrellas #3 , Regalos del Pacífico , EL Especial cohetero) y los álbumes de Comico/Eclipse completan el viaje, con el IDW completo para lectura. La muerte de Stevens en 2008 convirtió todo lo que dibujó en herencia, incluidas las portadas. Como siempre, la condición y la gradación determinan el valor; Se recomienda encarecidamente confiar en ventas reales recientes.

Su lugar en la saga y para el coleccionista

Rocketeer seguirá siendo una de las adaptaciones más cariñosas del corpus: una película que comparte la nostalgia de su origen, si no su audacia, dirigida por el futuro creador del Capitán América con la amable ayuda del propio Dave Stevens. Para el coleccionista, consolidó a Starslayer #2 como una clave histórica para la revolución propiedad del creador, y la rareza del trabajo de Stevens (unas pocas docenas de láminas perfectas) lo convierte en una herencia aún más preciosa. Para el lector, el cómic y el cine componen un doble homenaje a los años 30, uno sulfuroso y el otro luminoso. Rocketeer nos recuerda que una adaptación puede traicionar detalles y honrar un espíritu; solo hay que amar el mismo pasado.

El veredicto: las imágenes salvadas, el azufre suavizado

• Lealtad: Cliff Secord, el propulsor robado, Peevy y el casco, el Los Ángeles aeronáutico de 1938 y el espíritu serial vienen del cómic.
• Libertades: Betty se convirtió en Jenny Blake, Neville Sinclair fue creada para la pantalla, Howard Hughes fue ascendido a inventor del propulsor, el tono pulp adulto se suavizó hasta convertirse en una aventura familiar, los capítulos se fusionaron en una historia.
• Números coleccionables: Starslayer #2 (1982, Pacific Comics), Pacific Presents, Rocketeer Special, los álbumes de Comico/Eclipse.

Rocketeer transpone las imágenes y el espíritu serial del cómic de Dave Stevens con un cuidado que el propio diseñador elogió, al tiempo que suaviza el pulp pin-up y adulto que lo hacía destacar. Un fracaso comercial convertido en un clásico de aventuras retro, la película es el ensayo general de Joe Johnston para el Capitán América. Tanto para el lector como para el coleccionista, es una invitación a abrir Starslayer #2, donde todo despegó.

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