Este dibujo no surge del cuento sino de la caricatura, y se puede ver en cada vídeo.Formas construidas sobre círculos, contornos de espesor constante, expresiones llevadas hasta el punto de la distorsión, poses legibles en silueta: estas son las reglas de una profesión donde la imagen debe funcionar en un veinticuatro de segundo. Aplicados a una página impresa, producen unalegibilidad inmediataque las tradiciones gráficas del medio no logran de la misma manera.
Identificar esta conexión cambia la forma en que leemos estas planchas y explica varias de sus particularidades.
Este artículo expone las reglas tomadas en préstamo, lo que aportan a la página impresa, lo que prohíben y cómo conviven con un segundo registro gráfico.
Las reglas prestadas
Cuatro principios de la animación clásica se encuentran tal como están en estas páginas, y no son los del cómic.
Construcción por volúmenes simples.Los personajes están construidos sobre esferas y cilindros, lo que permite dibujarlos desde cualquier ángulo sin perder el parecido. Este es un requisito de animación (una figura debe permanecer misma mientras gira) del que un dibujante de cómics puede prescindir.
La línea constante de esperanza.Poca modulación, pequeños efectos de plumas. Esto surge de la necesidad de reproducir un contorno idéntico de kilómetros de vehículos.
La pose legible en silueta.Toda actitud debe ser comprensible reducida a una forma negra. Esta es una regla de prueba utilizada en animación y se puede observar directamente aquí.
La expresión llevó al máximo.Los rostros logran deformaciones que un dibujo realista no permitiría, porque la emoción debe leerse al instante.
Estas cuatro reglas tienen un objetivo común:escuchar antes de verlo.Ésta es la limitación fundamental de la animación y produce efectos sobre el papel que pocos dibujantes de cómics buscan.
Qué aporta esto a la página.
Lectura sin esfuerzo
El lector capta cada cuadro inmediatamente, sin tener que descifrar quién está dónde o qué está sucediendo. En una obra de varios miles de páginas, este consuelo cuenta.
Ésta es la principal aportación y explica la accesibilidad del conjunto.
Una comedia de movimiento
Los chistes se basan en poses y secuencias en lugar de diálogos, lo que los hace efectivos independientemente del idioma.
Consistencia en el tiempo
Los personajes construidos geométricamente son permanentemente idénticos a un volumen que dura tres años, sin ninguna desviación de estilo.
Reproducción sin pérdidas
Los contornos limpios y mínimamente modulados admiten todas las escalas y calidades de impresión, lo que facilita las reediciones.
Lo que prohíben estas reglas
Cualquier método cierra puertas, y éstas son identificables al leer.
El matiz de expresión.Un rostro construido para una emoción inmediata transmite mal estados intermedios: ambivalencia, duda, vergüenza temporal. Estos registros pasan aquí a través de la postura y el silencio más que a través del rostro.
El detalle significativo.Un dibujo que favorece la legibilidad general no puede acomodar información en el mínimo detalle, procedimiento común entre otros autores.
La textura.Los materiales (tela, piedra, piel) no se reproducen en los personajes, que siguen siendo superficies lisas.
Estos tres límites explican por qué los personajes principales no pueden llevar los momentos serios de la historia.El dibujo que los constituye no sabe hacer esto., y esta es una de las razones por las que la obra utiliza un segundo registro gráfico.
El segundo registro es la solución a este límite.Los escenarios y los personajes humanos son tratados con un detalle, textura y matiz de expresión que las figuras principales no tienen.
No se trata, pues, de un simple contraste estético: se trata de un reparto de tareas. Lo que el registro animado no puede expresar, el otro registro se encarga de ello y los dos conviven en la misma caja sin molestarse mutuamente.
Cómo coexisten los dos registros
La convivencia requiere precauciones técnicas que vale la pena describir, porque fracasa fácilmente.
El tamaño de la línea conduce a la conexión.Los dos registros utilizan un esquema comparable, que los coloca en la misma página a pesar de su diferencia de trato. La decoración artística habría dejado fuera de escena a los personajes.
Los personajes nunca se mezclan con el fondo.Mantienen un trazo claro que los separa, que asume la diferencia en lugar de enmascararla.
Los valores permanecen separados.Las figuras principales son en su mayoría claras, las decoraciones más elaboradas en negro y en trama, lo que mantiene la legibilidad incluso en un panel ajetreado.
El resultado es que todavía vemos tipos de imágenes sin la impresión de un collage.Esta es la habilidad menos visible del trabajo y probablemente la más difícil.
El timing, un concepto importante de la animación
Se encuentra aquí un concepto específico de esta profesión que no tiene equivalente directo en el vocabulario del cómic.
En animación, el tiempo se refiere al número de imágenes dedicadas a una acción: alargar una anticipación, acortar un impacto, dejar que una pose se asiente. Esto es lo que distingue un movimiento divertido de un movimiento plano, con un diseño idéntico.
Transpuesto a una página, el tiempo se convierte en elnúmero de casillas dedicadas a un gesto. No es lo mismo una caída que ocupa cuatro casillas que una caída en una casilla, aunque la información sea idéntica.
Aquí es donde se ve más claramente la formación original. Las secuencias cómicas tienen paneles que no añaden nada a la acción (una pose mantenida, una mirada al lector, una pausa) y estos paneles son precisamente lo que hace que el chiste funcione.
Un diseñador formado en cómics tendería a eliminarlos para ahorrar espacio. Conservarlos es una elección costosa en términos de páginas, y esto explica parte de la extensión del trabajo.
Lo que este dibujo debe a la limitación del blanco y negro
A la filiación animada se le suma un segundo factor que la refuerza, lo que explica la coherencia del resultado.
Autoeditado en este periodo impreso en blanco y negro por motivos de coste. Un diseñador de color privado debe obtener a lo largo de la línea todo lo que el color ha mostrado: separación de planos, identificación de caracteres, indicación de atención.
Pero las reglas de animación son exactamente el problema.Bordes afilados, siluetas distintas, valores separados: estas son las mismas soluciones, desarrolladas por otra razón.
El encuentro entre la formación como animador y la exigencia de blanco y negro es, por tanto, especialmente afortunado: ambos empujan en la misma dirección, donde otras asociaciones entran en conflicto.
Esto es también lo que explica por qué la posterior transición al color cambió el equilibrio. El color asume funciones que la línea ya cumplía, y esta duplicación atenúa el dispositivo en lugar de reforzarlo.
Las dificultades de esta entrada.
emociones binarias
Los rostros expresan fuertemente pero transmiten mal los estados intermedios, que implican la postura.
Un desequilibrio de carga
Los decorados requieren un tiempo de trabajo desproporcionado al de los personajes, lo que pesa en el ritmo de producción.
Un registro asociado a la infancia
El estilo animado cataloga la obra como juvenil antes de la lectura, lo que excluye a parte de su público natural.
Pocas imágenes aisladas llamativas
Un dibujo diseñado para secuenciar rara vez produce el tablero que recordamos fuera de contexto.
¿Por qué algunos de los diseñadores provienen de todos ustedes?
La pregunta merece hacerse, porque esta filiación es rara aunque sus ventajas sean considerables.
Las dos profesiones no reclutan de la misma manera. La animación es una industria que entrena equipos según reglas comunes; por el contrario, los cómics valoran la singularidad de una mano y un diseñador es juzgado por lo que lo distingue.
Por lo tanto, la formación del animador empuja hacia lo contrario de lo que recompensa el medio.: claridad compartible más que marca personal, coherencia más que evolución, eficiencia más que virtuosismo.
Probablemente por eso estos pasajes son poco frecuentes y por qué quienes los interpretan producen obras que son instantáneamente reconocibles, no por excentricidad sino por un rigor que la industria no espera.
Esto explica también la difícil acogida inicial de este tipo de obras. Un dibujo muy legible parece simple a los ojos de un lector acostumbrado a asociar el dominio con una aparente complejidad.
Lo que cambia esta filiación al leer
Tres observaciones directamente aplicables frente a un tablero.
Mira las poses antes de las caras.Aquí es donde llega la información: una silueta dice lo que siente el personaje antes de que su expresión lo confirme.
Siga las secuencias de los cuadros.Las secuencias de gag funcionan como planos sucesivos, con anticipación y respuesta a la animación.
Tenga en cuenta los cuadros en blanco.Son numerosos y a menudo llevan lo imprescindible, consecuencia directa de una formación en la que la imagen debe ser suficiente.
Este último hábito realmente cambia la experiencia.Un lector que lea las burbujas y hojee las imágenes se pierde gran parte de esta historia., porque una proporción inusual de la información no está escrita.
que grabar
En una obra cuyo interés gráfico reside en la secuencia, el archivo debe conservar lo que una relectura por sí sola no puede encontrar.
Las secuencias mudas que te impresionaron, con su volumen y posición aproximada.Son numerosos, contienen a menudo los momentos decisivos y es imposible encontrarlos mediante una búsqueda porque no contienen texto. Ningún índice, ningún resumen, ninguna cita nos permite volver a él.
Sólo así podrás reconstruir lo que te gustó cuando quieras mostrárselo a alguien.
El registro dominante de cada volumen.– cómico, mixto o predominantemente serio – porque evoluciona a lo largo de la obra y determina qué volumen es adecuado para cada lector a la hora de prestarlo u ofrecerlo.
Estas dos menciones abordan una dificultad específica de la narración visual: lo que no está escrito no se encuentra y lo esencial rara vez se escribe aquí.
Preguntas frecuentes
Obedece las reglas de la animación: construcción mediante volúmenes simples para permanecer similares desde todos los ángulos, línea de espesor constante, pose legible reducida a una silueta, expresión llevada al máximo. Todos apuntan al mismo objetivo (ser comprendido antes de ser mirado) que pocos dibujantes de cómics buscan.
Porque un rostro construido para una emoción inmediata transmite mal estados intermedios: ambivalencia, duda, vergüenza. Estos registros pasan aquí a través de la postura y el silencio. Por eso también los personajes principales no pueden soportar los momentos serios: el dibujo que los constituye no sabe hacerlo.
Por tres precauciones: un grosor de contorno comparable que los inscribe en la misma página, caracteres nunca mezclados con la decoración, y valores separados: figuras claras, decoraciones trabajadas en negro. Percibimos dos tipos de imágenes sin tener nunca la impresión de un collage.
Comercialmente, en parte: tiene el libro clasificado como infantil antes de la lectura, lo que excluye a parte de su público natural. También produce algunas imágenes aisladas llamativas, un dibujo diseñado para una secuencia que rara vez muestra la placa que recordamos fuera de contexto.
Las poses ante los rostros –una silueta dice lo que siente el personaje antes de que la expresión lo confirme– y los recuadros silenciosos, numerosos y a menudo decisivos. Un lector que lea las burbujas y hojee las imágenes se perderá gran parte de esta historia, una proporción inusual de la cual queda sin escribir.
¿Dónde quedó esta secuencia sin diálogo?
Lo que no está escrito no se puede encontrar mediante ninguna investigación, y lo esencial rara vez se escribe aquí.